Liana Timm, in natura
Arte digital inspirada em uma foto quando eu tinha 3 anos de idade | Liana Timm: 2019
Prezados Fischer e Renato:
Antes de começar a responder às perguntas que nossos amigos me fazem, quero agradecer a vocês. Imaginem o quanto me fizeram feliz reunindo essas pessoas, cuja qualidade indiscutível oportunizaram, através de seus questionamentos, uma revisita a vários momentos da minha trajetória artística que me são tão caros. Cada um, com sua sagacidade, proporcionou um olhar interior e reascenderam lembranças, tesouros guardados com muito carinho, ao longo da vida.
Simpático este pequeno bilhete de Liana Timm.
Fotográfico. Exatamente como ela mesmo é como pessoa. Sincera, direta, íntegra, ética, sem dissimulações, literalmente open mind encarando a vida de frente sem arroubos arrogantes de genialidades. In natura, espontânea, cristalina. E esse ânimo poderá ser conferido neste desnudamento público ao qual ela se submeteu sem reservas, puro desvelamento de um só corpo múltiplo e criativo.
*Texto de Renato Rosa
PARÊNTESE – Como foi a infância? As primeiras letras e as primeiras imagens, como entraram na tua vida? (por Luís Augusto Fischer)
Liana Timm – Nasci em Serafina Corrêa e vim para Porto Alegre com três anos de idade. Moramos na Castro Alves, e minha mãe me matriculou no jardim da infância do Grupo Escolar Argentina. Lembro de brincar na roda de areia com as coleguinhas, e essa escola ficou marcante como uma vivência muito boa da infância. Depois moramos na Santa Cecília, e comecei a estudar no Colégio Americano, onde fiquei até entrar na faculdade. A casa tinha um quintal grande, e eu gostava de fazer experimentos com vegetais. Triturava vários tipos de folhas e obtinha águas com diversos tons de verde. Nessa ocasião meu pai, nas horas vagas, fazia móveis para a nossa casa. Resolveu também fazer um patinete e me deu de presente. Fiquei muito feliz, então descia e subia a rua infinitas vezes com ele. Passei a estudar piano e ballet e a ler com muita frequência.
Minha mãe, meu pai, eu com sete anos, minha tia, minha avó, meu irmão.
Mas a rua que mais me marcou foi a Professor Duplan, pois, perto do colégio, possibilitava que eu fosse e voltasse dele sozinha com autonomia. Lá fiz grandes amizades durante a adolescência. Aprendi pintura, violão, e comecei a escrever
mais assiduamente.
Me divertia indo, nos fins de semana, nas festas da Reitoria. Um período de grande efervescência.
P – Queria também saber de sua família: origem, história empírica (onde moravam, para onde se deslocaram; de que geração de imigrantes eram seus pais, etc). (por Luís Augusto Fischer)
LT – Pois então. A família do meu pai – Mahfuz – é de origem árabe, sírio-libaneses; a da minha mãe – Gonçalves da Cunha –, de origem portuguesa e francesa.
Até meus nove anos, nossa família passava as férias no Rio de Janeiro, onde moravam a mãe do meu pai e os onze irmãos dele. Vó Rachidée era uma figura agregadora apesar de ter um gênio forte. Essa convivência marcou não só a minha infância como a minha vida até hoje.
Íamos de carro, um pequeno Ford Prefect, desde Porto Alegre ao Rio, em uns bons quatro dias, pois as estradas ainda eram de terra. Com isso, conheci lugares como, por exemplo, Laguna e o Museu da Anita Garibaldi em Santa Catarina.
Ao subir em direção a Curitiba, ouvia-se de longe o barulho dos tropeiros, na época considerados assaltantes assustadores. Sorocaba foi outra cidade visitada no estado de São Paulo, e também Guarujá e Santos, onde morava meu avô por parte de mãe.
Conheci o Rio de Janeiro de verdade. Além da zona sul, Tijuca, Santa Tereza, Jacarepaguá e outros bairros, proporcionando uma convivência com aquele carioca que trabalha para sobreviver e ter uma vida digna. Meus tios, um era motorista de táxi, outro trabalhava na Rádio Nacional, outro vendia confete e serpentina no carnaval e outro ainda fabricava adereços também para o carnaval.
Numa dessas vezes que estive no Rio, vi desfilando, em cima de um caminhão, Luz del Fuego e suas cobras, imagem que marcou meu imaginário. Também a história da ilha de nudismo em que ela vivia faz parte das minhas lembranças. A ilha de Paquetá e suas charretes, a floresta da Tijuca, a mesa do imperador, o Jardim Botânico, a Prainha. Tudo isso fez do Rio de Janeiro uma cidade especial na minha vida a ponto de, durante um período, ter a necessidade de visitá-la todo ano, só para sentir o cheiro de suas ruas cheias de mangueiras e amendoeiras e para avistar, de longe, o Cristo Redentor.
Por parte da minha mãe, toda a família, numa certa época, morava na Cidade Baixa. Esse bairro tornou-se emblemático para mim. Quando passo pela Lôpo Gonçalves, Luiz Afonso, José do Patrocínio, Lima e Silva, lembro da minha vó, das minhas tias, da minha infância. Eram, e ainda são, casas de porta e janela, a exemplo das casas portuguesas. Até se casar com meu pai, minha mãe morava na Demétrio Ribeiro, e ela contava uma história muito curiosa. Dizia que, quando andava pela rua, via dentro de uma das casas, através da janela, uma mesa de trabalho com uma pilha de livros abertos que quase chegava no teto. Lá morava um homem muito magro que saía todos os dias à mesma hora, de terno e chapéu, para comprar talvez pão. Na imaginação da minha mãe, ele era escritor, e os livros eram as suas leituras.
P – Na virada da adolescência para a juventude, digamos ali entre seus 15 e 20 anos, que Brasil era aquele? E que Porto Alegre era aquela? Como foi viver naqueles anos? O que dali tu levas para a obra, escrita ou imagética? (por Luís Augusto Fischer)
LT – Estamos falando da década de 60/70, em pleno regime militar, quando a censura estava forte e a tortura era muito comum. Nessa época, cursando a faculdade de Arquitetura da UFRGS, ficava muito assustada com o desaparecimento de colegas que simplesmente não compareciam mais às aulas, e ninguém sabia por quê.
Vivíamos numa constante apreensão, mas esse ambiente era igual em quase todos os países da América Latina. Tínhamos ditadura no Chile, no Paraguai, na Bolívia, no Equador, no Uruguai, na Argentina, e também em países com governos de esquerda como Cuba, Peru, Bolívia e Nicarágua. Um momento escuro na história de todos esses povos.
Preocupada com a faculdade e com a vida em apogeu, eu participava das reuniões políticas (que aconteciam no auditório da Arquitetura) e de algumas passeatas, mas o medo tomava conta com certa frequência e ficava um pouco recolhida nessa atmosfera de AI-5.
Entretanto, no meio desse desgaste, aconteceram coisas incríveis, como o ARQUI-SAMBA na Reitoria da Universidade (UFRGS). Tive o privilégio de assistir gente da pesada como Baden Powell, Silvinha Telles, Edu Lobo, Tamba Trio, Aloysio de Oliveira, Chico Buarque, Nara Leão, Quarteto em Cy, Bossa Jazz Trio, MPB4, Sidney Miller, Vinicius de Moraes, Adão Pinheiro Trio, Gracinha Leporace, Sergio Porto e muitos outros. Guardo com carinho e saudade esse tempo, que abriu horizontes para a minha arte, acrescentando convicções de liberdade, de respeito à diversidade, à conduta ética e de combate a qualquer tipo de preconceito. Hoje e sempre a arte foi a nossa resistência. Por isso tão demonizada.
P – O que te dá mais satisfação entre todas as tuas atividades artísticas? (por Cacaio Praetzel)
LT – Ferreira Gullar já afirmou que a arte existe porque a vida não basta. Eu diria que, para mim, a arte torna possível resistir aos mistérios da vida. Tanto o que é prazeroso quanto o que é insuportável têm, através da arte, um espaço de repouso e indignação. Reflito através da arte; questiono, pergunto, me revolto ou me apaziguo produzindo com palavras, com imagens, com sons o que necessito para caminhar na vida. É um jeito que aprendi desde pequena a equilibrar as frustrações com as satisfações. Então fica muito difícil eleger uma linguagem como a preferida, pois cada uma, à sua medida, estabelece estados alterados de consciência necessários ao enfrentamento da realidade. O que posso compartilhar são as diferentes maneiras com as quais me relaciono com as linguagens expressivas.
A palavra é uma porta que se abre ao desconhecido de mim. Inicio o trabalho sem saber onde vou chegar. E, durante o processo, o caminho vai criando suas retas e encruzilhadas, fornecendo de maneira surpreendente o resultado. Quando leio o que escrevi, aí sim entendo por onde o texto andou. Pode parecer estranho essa inconsciência, mas ela é apenas aparente, pois tudo está dentro de nós. É só preciso deixar acontecer, sem repressão ou amarras. Aprendi com o passar do tempo que esses guardados são nossos velhos conhecidos, basta abrirmos as passagens para que eles ultrapassem a fronteira das invisibilidades.
Em relação às artes visuais, é um pouco diferente. Parece mais racional, mas é só impressão. Planejo de certa forma o que vou fazer. Estudo a composição e suas significações; as imagens antecipadamente escolhidas indicam um caminho que parece definitivo. Entretanto, durante o processo, tudo se modifica, e o planejamento inicial é transmutado, novos direcionamentos acontecem, frutos de um processo espontâneo de outras demandas que nem imaginava ter.
P – Quando estavas no primário (até dez anos), o que sonhavas ser quando adulta? (por Cacaio Praetzel)
LT – Acho que no primário ainda não pensava sobre isso. O que lembro nitidamente é o prazer que me proporcionava desenhar, desenhar e desenhar. Os trabalhos manuais eram também os meus preferidos e, em casa, sempre tive extrema liberdade para fazer o que quisesse neste sentido. Lembro que, perto de casa, havia uma loja de artesanato e frequentemente eu pedia uns troquinhos para minha mãe e ia lá comprar algum material para fazer uma ou outra coisa. Adorava bordar vagonite e ponto cruz, pintar, recortar, colar, e meu quarto era um universo no qual eu permanecia a maior parte do dia.
O que também gostava de fazer era ler em voz alta as propagandas da revista Seleções. Passava horas sentada no chão imitando os locutores de rádio.
Imaginar situações era uma prática que eu exercitava muito.
Colecionava também cartões postais de diversos lugares. Uma das minhas gavetas era dedicada a eles e os visitava diariamente.
Comecei o aprendizado da pintura aos doze anos e, por sorte, frequentei, desde os sete, uma escola que privilegiava as artes como elemento fundamental da educação. Lá convivi com teatro, música, artes visuais, dança e poesia.
Em casa, ouvia minha mãe tocar piano e acompanhava meu pai fazendo trabalhos de marcenaria e pequenas esculturas, nas horas vagas. Cresci sem necessidade de pensar no que seria. Meu caminho foi natural. Estudei ballet clássico, piano e violão.
Lembrando de tudo isso, sei hoje que a infância foi uma fase muito importante na minha vida, pois o que sou e o que gosto foram gestados nesses anos em que a liberdade para praticar, sem a responsabilidade do adulto, foi uma constante.
Assim deveria ser a infância de toda criança; entretanto, em nosso país, quase a maioria não usufrui destes direitos que, infelizmente, são considerados privilégios. Incluo aqui direito à moradia, à saúde, à educação. Oportunizar a realização de desejos simples infantis é o início de uma vida que se desenvolve com melhores perspectivas futuras.
P – Vamos lá: no Brasil de hoje há espaço para a poesia? (por Ivette Brandalise)
LT – Paradoxalmente, no Brasil de hoje, a poesia está em alta. Nunca se viu tantos saraus nas redes sociais e nunca se publicou tanta poesia. Esta horrível pandemia serviu para algumas coisas, pelo menos: a valorização da cultura como algo indispensável à vida, como contraponto às mazelas do dia a dia, como vasculha da subjetividade, como um extravasar de emoções, como o despertar de um pensamento crítico, como o retrato de nossa identidade brasileira e como um canal de conhecimento.
Nunca se sentiu tanto a falta das manifestações artísticas presenciais, do contato interpessoal, como nessa pandemia. Diante das evidências, a classe artística, com esforço, precisou se reinventar, e a internet teve um papel fundamental no estabelecimento de outras formas de relações.
Todas as manifestações expressivas que não necessitam de contato físico continuaram tendo espaço em nossas vidas. A literatura, as artes visuais, a música gravada, os vídeos, os filmes, as séries televisivas, enfim tudo que podemos usufruir dentro de nossas casas continua fazendo parte dessa difícil fase.
A poesia, principalmente, está penetrando na vida de muito mais pessoas que antes. E esta prática valorizou sua línguagem de síntese e de profunda significação.
As lives estão dando oportunidades de trocas entre artistas de todas as nacionalidades e principalmente de todas as regiões desse imenso Brasil e, através dos diferentes sotaques e das diferentes visões de mundo, cresce em nós um orgulho de ser brasileiro.
P – Tu tens e usas canais diversos para te expressar. Que canal tens usado para mostrar tua indignação?(por Ivette Brandalise)
LT – Ontem, hoje e amanhã, acho que usei, uso e usarei a arte em todas as suas manifestações para mostrar a minha indignação. Indignação que não é panfletária nem partidária e que se apresenta no implícito da arte. A forma como me relaciono com o mundo e com as pessoas é a minha política. Na verdade, se sou leal ou falsa, íntegra ou desonesta, individualista ou participativa, sincera ou cínica, delicada ou grosseira, tudo é uma escolha política de relacionamento e expressão. Dizer certas coisas é muito fácil, mas agir de maneira coerente com nossas convicções… essa é a questão.
Se falo de flores é porque não desejo a guerra.
P – O que representa em tua trajetória teres apresentado teu irretocável espetáculo musical e lançado o livro “Olhar Estrangeiro” na França, em 2019? (por Nara Lisboa)
LT – Querida Narinha! Ter estado em Toulx Sainte Croix foi um momento mágico na minha vida. Desde o momento em que começamos a gestar esse projeto, nasceu em mim uma expectativa muito positiva. A tua pessoa, generosa e sensível – uma compositora que traduz, através da música, sentimentos – já anunciava que a receptividade seria especial. Conversamos durante um ano sobre o que poderíamos fazer em TSC e, enquanto o tempo ia passando, fomos criando uma relação de grande amizade. Falei sobre o show, um misto de música brasileira e francesa, que seria realizado em teu Cabaret, informei da nossa vontade de lançar um livro sobre a França e na possibilidade de levar um grupo de amigos intelectuais junto. Tudo foi uma crescente expectativa que redundou em nossa ida à França para vivenciar uma experiência única.
A noite do show “Brasil é Brésil – a França no coração do Brasil”, está tatuada entre as lembranças mais caras que a vida me proporcionou. Tua hospitalidade e autenticidade me abraçaram desde o momento em que pisamos nessa França profunda.
Fico pensando em como acontecem as coisas mais importantes da vida! Tudo depende das relações e da qualidade das pessoas envolvidas. Tenho certeza de que essa região da França foi tão especial porque pintaste com tuas tintas invisíveis o que pudemos ver e absorver nesses dias de completa magia. Conta comigo para novos voos criativos!
P – Em sua trajetória de artista multimídia, qual é a sua opinião sobre a importância das coleções privadas para os artistas?
LT – Quando viajo, meu maior objetivo é visitar museus de arte e espaços de amostragem. Claro que para algumas pessoas isso não faz nenhum sentido. E tudo bem. Mas é indiscutível que a maioria tem interesse em conhecer os grandes acervos, basta ver a fila que se acumula na frente dos museus.
Reunir uma coleção significativa e colocá-la à disposição do público democratiza o acesso à arte, mas também é um bom negócio. Vamos ali, depois de pagar a entrada, para apreciar as produções artísticas produzidas ao longo dos tempos e podemos almoçar ou tomar um lanche no café/restaurante, como também infalivelmente saímos da visita por uma loja que nos seduz com milhares de produtos que reproduzem tudo o que apreciamos dentro da instituição.
Frequentamos esses museus sem saber como eles surgiram! Não vou aqui discorrer historicamente sobre o assunto, mas os mais importantes museus de arte do mundo nasceram das doações de coleções particulares.
Os gabinetes de curiosidades do Renascimento foram os antecessores do museu moderno. Eles reuniam tudo o que era raro e exótico. Misturavam antiguidades e arte e estavam localizados em palácios, abertos só para as amizades do colecionador. A partir do século XIX, transformaram-se nas coleções particulares e, após, nos museus de arte à disposição pública.
As atuais coleções de arte exercem também papel importante no circuito da arte. O colecionador ou tem uma relação afetiva com sua coleção ou quer fazer dela um investimento rentável.
Colecionar arte é uma forma de preservar obras de artistas que não estão em museus. Expostas de tempos em tempos, dão visibilidade ao conjunto, abrindo novos conhecimentos sobre trabalhos ainda não expostos. Quando a mostra vem acompanhada de um catálogo, este pode servir de consulta para galerias e museus que estejam programando algo relacionado às produções constantes nas coleções.
Colecionar arte é uma forma de preservar a memória cultural de uma época e de um lugar.
P – Observo que tua trajetória artística extrapola o campo das artes plásticas, onde exerces um trabalho maravilhoso, mas me parece que tua sede de expressão é imensa como atesta tuas performances cantando e interpretando em cena além da beleza da tua poesia. Como acontece o teu processo criativo nestes outros universos? (por Nora Prado)
LT – Norinha, cada linguagem expressiva tem as suas peculiaridades, mas a necessidade de criar vem do desejo de comunicar nossa visão de mundo, e a capacidade de assim realizá-lo tem características que tanto servem para uma quanto outra modalidade artística.
Quando pequena, eu era extremamente curiosa. Muito castigo levei por me levantar da classe para ver quem passava no corredor da escola! A professora reclamava para minha mãe, que me prendia no sótão da casa depois da aula, como reprimenda por esse comportamento fora da curva. Imagino que deveria ser por cinco ou dez minutos, mas para mim parecia um dia inteiro. Apesar disso, eu era muito entusiasmada e comprometida com o que fazia. Era empenhada com as solicitações da escola de maneira muito ativa, querendo sempre fazer mais e melhor. Diria que era apaixonada pelas tarefas e persistente até alcançar um bom resultado. Também me entediava com tarefas repetitivas e desinteressantes, tendo grande dificuldade de aprender as ciências exatas.
Envolvida, como fico frequentemente com coisas que me dão prazer, adio comer, beber e às vezes até dormir. Quando o processo corre solto e estou sentido fluir o trabalho, nada mais me importa.
Para criar, é necessário nos colocarmos em diferentes pontos de vista, observando atentamente as coisas ao nosso redor, fugindo da rotina, buscando novas experiências, o que torna não só o nosso processo, mas a nossa vida mais maleável e interessante.
Tudo isso acontece quando estou escrevendo ou produzindo uma obra de arte, seja de que natureza for.
P – Como sabes o que pertence a qual área ou eles se misturam e se alimentam harmoniosamente? (por Nora Prado)
LT – Há uma mistura intencional, mas não uma mixagem. Gosto da complementação que as linguagens expressivas emprestam umas às outras. O trabalho com todos os sentidos me fascina. Sempre afirmo que o teatro tem a minha admiração. Ali trazemos ao convívio tudo que necessitamos para transmitir uma ideia. A expressão corporal, a voz, a música, as imagens, o texto, o figurino, o cenário… enfim todos os recursos que queremos e precisamos. Ninguém pergunta os porquês dessa apropriação ativa e produtiva das linguagens.
O que ouço frequentemente é uma interrogação um pouco cansativa. Para a resposta, uso um trecho de Água Viva, de Clarice Lispector, epígrafe do meu primeiro livro de poesia AMENAS INFERÊNCIAS que diz assim:
Quando vieres a me ler perguntarás por que não me restrinjo à pintura e às minhas exposições, já que escrevo tosco e sem ordem. É que agora sinto necessidade de palavras e é novo para mim o que escrevo, porque minha verdadeira palavra foi até agora intocada. A palavra é a minha quarta dimensão.
P – Liana, achas que a arte deve ser engajada politicamente neste momento que vivemos? (por Juarez Fonseca)
LT – Picasso quando pintou, em 1937, a pedido do governo republicano espanhol, um mural que retratava o bombardeio aéreo da cidade de Guernica pelos nazistas, durante a guerra espanhola, não imaginou que ela iria se transformar em uma das obras mais emblemáticas de sua trajetória e da história da arte universal.
Ele não costumava misturar arte com política. Guernica tinha mais ou menos 6 mil habitantes e, no ataque, morreram 1.660 pessoas e 890 ficaram feridas. Isso aconteceu porque o General Franco permitiu que os alemães testassem armas na região já que a cidade havia abrigado tropas suas inimigas.
Em 2015, a visitei no Centro de Arte Reina Sofia em Madrid. Na noite anterior quase não consegui dormir de tanta expectativa. O mural mede 351 x 782 cm e foi concebido através de fotos colhidas em jornais da época sobre o bombardeio. Cada vez que perguntavam a Picasso o significado dos símbolos existentes na obra, ele respondia: não cabe a mim definir e sim ao público, e acrescentava: esse touro é um touro e esse cavalo é um cavalo.
Digo tudo isso para explicar que, apesar da obra girar em torno de algo específico, Guernica tem uma abrangência mundial e atemporal. Ela é um manifesto contra qualquer guerra e a favor da paz. Mostra todas as consequências de conflitos desse tipo, que tanto pode acontecer no nosso quintal ou no quintal do vizinho.
Se tivermos a capacidade de transformar fatos específicos em bandeiras universais e atemporais, que façamos essa arte chamada de engajada.
P – Qual a atividade que consome mais o teu tempo? (por Clara Pechansky)
LT – Clarita querida! Fico pensando o que é o tempo! Tudo é muito relativo. Principalmente para quem o usa executando diversas tarefas concomitantemente. Diante dessa afirmativa, fica completamente impossível responder a esta indagação. Não tenho constância na execução de meu trabalho. Pulo de uma tarefa para outra muito seguido. Um pouco escrevo, um pouco trabalho com artes visuais e assim vai. Tu, que acompanhas o meu trabalho há 40 anos, sabes bem disso. Logo, não consigo saber exatamente quanto tempo gasto com cada linguagem. Uma coisa é certa: adoro acordar cedo, por volta das 6h30, e quando, por acaso, levanto mais tarde, sinto que a manhã vai me pregar uma peça; logo acabará, e o que eu gostaria de ter feito ficará pela metade, complicando a minha tarde.
Geralmente trabalho muito. Mas a diversidade é meu mote. Leio, escrevo, pesquiso, projeto, imagino, testo, desenho, procuro, seleciono, crio, me informo e o dia passa rápido, mas sempre cheio de motivações.
P – Como manter o controle de qualidade exercendo tantas atividades ao mesmo tempo? (por Clara Pechansky)
LT – Apesar de trabalhar com diversas linguagens, há o que respeitar sempre. A cada produção cabe um tempo de repouso para verificar se o que foi gestado merece ser levado a público. Isso aconteceria mesmo trabalhando com uma ou várias linguagens.
Ao longo do tempo, vamos desenvolvendo o próprio sentido crítico. Ele indica os pontos fortes e fracos de nosso trabalho. Isso não quer dizer que a aceitação do resultado seja unânime. Mas, na verdade, o que importa é o próprio olhar sobre aquilo que se faz. Após, a criação se desprende de nós e adquire independência. Então, é só no encontro com o outro que ela se completará.
Nunca fui afoita em apresentar resultados. Minhas produções, sejam poéticas ou imagéticas, ficam muito tempo em descanso para serem verificadas com olhar exigente e duro.
Lembras, Clarita? Em nossos inúmeros projetos conjuntos, sempre buscamos este espaço de sedimentação para, ao realiza-los, termos a certeza de suas razoáveis qualidades.
P – Você vê futuro no teatro como forma de arte presencial, ou o efeito da pandemia vai permanecer como uma sequela que aos poucos vai tornar o teatro cada vez mais virtual, até talvez torná-lo uma forma híbrida e agonizante? (por Camilo de Lélis)
LT – Bem, vejo o futuro com as limitações do meu desejo. Mas penso que, aos poucos, vamos conseguir voltar a nos relacionar presencialmente com o teatro, como já está acontecendo com a música. Descobrimos, sim, outras maneiras de levar ao público as expressões artísticas, e essas alternativas já estão incorporadas ao cotidiano. E se, até agora, todas as previsões feitas ao longo da história sobre a morte da arte não vingaram, acho que ela ainda resistirá a esta pandemia e a tudo que vier.
P – Liana, você é uma personagem renascentista. Você é pintora de originalidade marcante. É teatróloga. É editora com rara capacidade de produção e agrega escritores e intelectuais. É uma mulher de comunicação. É uma poeta de sensibilidade aguçada, capaz de unir num único poema as necessidades do psiquismo, da alma e da carne, nos ensinando sobre o ser integral. No seu processo de criação, como você consegue a concentração e o foco e como sabe que a obra está concluída? (por Jacob Klintowitz)
LT – Querido Jacob, meu admirável amigo, se não estivesses aqui me fazendo alguma pergunta a entrevista não estaria completa. O Renato sabe das coisas e já sabia, há tempos, quando nos apresentou. Tenho até hoje lembranças muito caras das duas exposições nas quais foste meu curador e do livro que escreveste sobre a minha mostra O dia em que o sonho visitou o sol. A preparação, a montagem, a abertura, foram de uma harmonia e amizade inigualáveis. Nossas conversas sobre a arte e a vida criaram um vínculo indissolúvel de amizade. Um dia repetiremos o acontecido. Aguardo ansiosa o livro que a TERRITÓRIO DAS ARTES vai publicar sobre tuas memórias pois, o sumário já é muito atraente!
Na entrevista que tive o privilégio de fazer contigo, em nosso projeto DIGRESSÕES CLARICEANAS, que eu assino com a Cátia Castilho Simon, disseste uma coisa com a qual me identifiquei. Trabalhas numa espécie de caverna tendo em volta tudo que precisas, ou seja, teus livros. E ali permaneces quase ad infinitum. Pois eu sou meio assim. Meu atelier é um útero que me acolhe e aconchega. É o meu país das maravilhas. Neste espaço, tenho quase tudo que preciso: uma mesa para o computador, estantes de livros, uma mesa de desenho e cavaletes.
Concentração para mim é um estado de fácil conquista. Mal começo a trabalhar, abstraio o que está em volta sob o perigo de frequentemente tomar sustos homéricos. Absorvida pelos meus interesses, não me dou conta quando alguém se aproxima, mesmo que a pessoa, sabendo desta minha característica, venha fazendo um barulho considerável.
Diante disso, é importante chamar a atenção para o valor que dou ao silêncio. Não gosto de barulho. Às vezes fica até insuportável o Split ligado, os cachorros latindo na rua e os carros passando em alta velocidade… Gosto do meu canto e do trabalho solitário. Aprecio demais a convivência com as pessoas, mas tudo tem sua hora certa. Para mim, os momentos de criação são tão especiais que dedico a eles o maior respeito. Quero que eles respondam às minhas necessidades, características e exigências pessoais.
Isso tudo auxilia na reflexão crítica sobre o que estou fazendo. Então, quando finalizo algo, esse recolhimento possibilita um afastamento emocional do resultado, imprimindo ao olhar boa dose de racionalidade. Deixo de me relacionar com o resultado obtido por uns dias e logo após me aproximo como se fosse um observador, nada a ver com o autor. Sempre aparece algo a complementar, subtrair, modificar. Ao longo do tempo, mesmo que o livro tenha sido lançado, mesmo que as obras já tenham sido expostas, há sempre aquela situação em que se diz, poderia ter sido diferente ou poderia ter feito de outro jeito, ou esse deta-lhezinho…
P – Liana, tu identificas um tema particular que perpasse tua produção? (por Sepé Tiaraju Silveira Souza)
LT – Poderia dizer que meu tema reincidente é o tempo que passa e não volta, que sempre está em movimento, transformando tudo em desconhecido, que vai te levando cada dia mais perto de uma incógnita, que determina um caminho sem liberdade de escolha e que te engole pela voracidade das horas.
Acho que esse é o tema que tento decifrar. Penso que assim minimizo um pouco a incógnita que persegue a todos nós e que sei não poder alucidar.
P – Liana, o artista é espectador primeiro de sua obra. Após finalizar um quadro ou série, percebes um esvaziamento onde soluções já encontradas, conhecimentos adquiridos, não serviriam à nova obra ou em ti tudo soma e pavimenta outro percurso criativo? (por Sepé Tiaraju Silveira Souza)
LT – Querido amigo! É bem natural, quando finalizamos uma produção artística, experimentarmos esse esvaziamento principalmente quando ela é presencial e quando dependemos do compartilhamento da realização: um show, um espetáculo cênico, uma exposição. Mas, quando só depende de nós a continuidade do trabalho, esse sentimento passa rápido. Por exemplo, quando lanço um livro de poesia, isto não impede que eu continue, sem interrupção, a escrever poesia. Clarice Lispector tinha esse temor quando terminava um texto. Ficava com medo de ter sido esvaziada e perdido a capacidade de escrever.
É diferente o que sinto depois de um show. Dependo de outras questões. Dependo do músico que me acompanha, do lugar em que me apresento e do público que me assiste. Aí sim, quando o momento termina, dá uma profunda tristeza. Mas a gente logo se recompõe e parte para inventar qualquer outra coisa rapidamente.
P – Como a escrita entrou na tua vida? (por Miriam Tolpolar)
LT – Com mais ou menos dez anos, fiz aula de datilografia. Achava fascinante dedilhar o teclado da máquina e, quando estava na aula, me imaginava uma competente secretária digitando coisas muito importantes para pessoas mais importantes ainda. Adorava datilografar.
Lembro que meu pai comprou uma Remington, famosa na época, e eu passava muitas horas praticando.
Um dia, ele me pediu para datilografar a palestra que iria proferir como presidente da Associação Médica.
À medida que ele ditava, comecei a admirar o conteúdo do texto e me emocionei.
– Quero também escrever tão bonito quanto meu pai para que as pessoas gostem de ouvir ou ler – pensei.
Mas o que vinha do colégio não era muito encorajador: a professora de português dizia para minha mãe que eu não tinha facilidade para fazer redação. Como morava em nosso prédio uma professora de português, minha mãe acertou com ela algumas aulas particulares. Então, uma vez por semana, eu descia um andar e ia no apartamento da professora Maria Pinto para ter aula de redação. Ela era muito diferente da professora da escola, que sublinhava todos os quês repetidos no texto com uma caneta vermelha como advertência. Isso me deixava muito constrangida, pois parecia um atestado de incompetência definitivo e não uma dificuldade a ser superada.
Hoje recordo com carinho o jeito sensível com que a professora Maria me ensinou a reconhecer na palavra mais uma das minhas formas de expressão. A partir daí, escrevia em-tendendo os meandros do pensamento e os caminhos a percorrer na produção textual. E continuei escrevendo as minhas ingênuas poesias.
Lembrei agora que, num Natal, meu pai perguntou o que eu queria ganhar de presente e não sei onde havia lido que a Editora Globo estava vendendo uma coleção de livros, como um pacote. E então pedi esta coleção para ele. Quando as caixas chegaram foi uma felicidade. Havia romances, novelas e poesia. Entrei em contato com Grahan Greene, Sommerset Maughan, Dürrenmatt, Erico Verissimo, Vianna Moog, Mario Quintana, Malba Tahan, Confúcio e tantos outros que faziam parte da coleção. Na mesma ocasião ganhei de uma tia os livros que ela lera na adolescência, escritos por M. Delly, uma escritora duvidosa em termos de qualidade literária, com um pseudônimo indecifrável, mas uma leitura que me ajudou no desenvolvimento da imaginação.
O tempo foi passando, e eu me dedicando mais às artes visuais, sem nunca deixar de lado a poesia.
Nessa ocasião, juntando a palavra com desenhos, fui fazendo algumas obras. Até que um dia, com uma carga expressiva de textos escritos – 1970 –, pensei em submetê-los à crítica para ver se valiam alguma coisa.
Foi então que entrei em contato com o poeta Armindo Trevisan, na época meu professor de História da Arte na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Pedi a ele uma horinha para mostrar os meus poemas. Lembro como se fosse hoje o que ele perguntou ao telefone:
– Liana, sabes receber críticas?
– Claro, professor. Por que o senhor pergunta?
– Porque, se não, prefiro que nem venhas, pois já perdi muitos amigos por isso.
Numa manhã de sábado, fui à casa dele, pronta para ouvir o que ele tivesse para dizer.
Nos sentamos frente a frente, e ele, com a minha poesia na mão, começou a fazer um trabalho de artesania incrível. Trinta versos de um poema ficaram reduzidos a cinco ou seis. E assim foi até o fim da manhã. Enquanto ele eliminava os versos, me explicava os porquês. Ao sair de lá, havia entendido a importância de colocar fora o supérfluo para preservar o essencial. Um aprendizado inesquecível que me acompanha até hoje. Naquele mesmo dia, ele escreveu um bilhete para Tania Carvalhal, crítica de literatura, encaminhando meu trabalho e sugerindo que ela me orientasse.
Meu encontro com Tania foi outro momento definitivo para a minha poesia. Orientada por ela, frequentei, em curso 2, várias disciplinas do Instituto de Letras da UFGRS como, Crítica Literária, Laboratório de Escrita Criativa e Literatura Brasileira. Nos tornamos grande amigas.
Também me apresentou para Ligia Averbuck, na época Diretora do Instituto Estadual do Livro, da qual recebi orientações valiosas.
Passei dez anos lendo e estudando a literatura antes de publicar o meu primeiro livro. Em 1986, nasceu AMENAS INFERÊNCIAS, e de lá para cá já vão 18 livros de poesia. Este ano faz 35 anos que a poesia é minha companheira diária. Preparo agora uma publicação reunindo toda essa produção poética que vai sair até o fim do ano. Muito feliz por estar realizando esta empreitada. Aguardem.
P – Liana, sendo uma artista extraordinária de alta sensibilidade e que se expressa em divergentes braços da Arte, eu te pergunto: o espírito sensível e sagaz que anima tua poesia (adoro teus poemas) e que vaga em tuas obras no campo das Artes Plásticas (nas quais gosto de me perder), é uno, indivisível, ou serão heterônimos cabreiros e inominados? (por Graça Nunes)
Até pode ser, Gracinha! Se Fernando Pessoa criou vários heterônimos para a mesma linguagem, eu posso pensar que cada uma das linguagens que trabalho é um heterônimo meu. Esse teu questionamento abre em mim uma nova perspectiva; pensar as características das personalidades de Liana Timm em cada expressão artística.
A poeta é extremamente introspectiva, diria até um bicho do mato. Quer ficar na toca para penetrar melhor no universo do sensível. É intimista e contemplativa.
A artista visual é mais aberta, gosta do gesto largo, olha para fora e se contagia com as circunstâncias diárias de maneira vigorosa.
Na música, mistura intimismo e desejo de compartilhamento, onde busca o olhar do outro de forma extremamente objetiva. Quer participar da reação das pessoas que sintoniza com as suas preferências, com a sua história e com a história da nossa cultura.
E, nas artes cênicas, busca a integração de todas as línguagens, pois o teatro é para ela a expressão que desconstrói as fronteiras da arte e busca seduzir todos os nossos sentidos simultaneamente. Uma grande arte!
O projeto FREUD e os Escritores, que ficou em cartaz durante nove anos, foi bem isso. Foram anos de construção iniciada por ti, minha querida, que com paciência e generosidade desenhaste os primeiros passos dessas performances cênicas enriquecedoras. Nosso coletivo, que foi se constituindo através da Carlota Albuquerque, da Janaina Pelizzon, da Lenira Fleck, de ti e de mim, aglutinou todas as linguagens as artísticas com vigor e sensibilidade.
Agradeço as aulas que participei em curso 2 no DAD e principalmente a tua disciplina, Interpretação Teatral. Em cada aula, vivenciei momentos inesquecíveis não só interpretativos como existenciais. És uma professora inigualável!
P – Liana, tu, como multiartista que és, quanto da criatividade tu julgas ser produto da formação inconsciente? Ou tem muito mais de disciplina e dedicação? (por Renato Vieira)
LT – Sempre digo; para ser artista é preciso perseverança e paciência. Só a capacidade inata de ser criativo, inventor, original e propositivo não basta. É preciso pré-disposição, identificação, aprimoramento constante ao longo da vida. Desde pequena tive essa tendência. Gostava de desenhar, mas podemos dizer, qual criança não gosta? Lembro que tinha uma mesinha rosa e nela desenhava, pintava, recortava com grande prazer. Acontece que, aos sete anos, fui surpreendida com o reconhecimento dessa facilidade pela minha primeira professora. Tia Irma me chamou para ajudá-la a desenhar corações numa folha de papel que serviria de modelo aos coleguinhas para os cartões do dia das mães. Lembro que, constrangida, desenhava para uma fila de gu-iazinhas que passava por mim para receber o coração que seria recortado para conter dizeres de afeto e felicitações. Hoje me dou conta de que autografei pela primeira vez aos sete anos.
Além disso, identificava-me com coisas que via em revistas. Meu pai recebia a revista médica italiana Rasegna Medica e nela havia reproduções de obras de arte. Ficava horas olhando aquelas imagens e me sentia completamente envolvida naquele universo que ainda não compreendia muito bem qual era. Depois fui tomando contato com todas as linguagens na escola. Tive o privilégio de ser admitida na classe experimental do Colégio Americano, uma experiência única cujo método pedagógico era o ensino de qualquer conteúdo através da arte. Das primeiras séries até a faculdade, estudei na mesma escola, e isso fez a diferença.
Havia um atelier de arte do lado da capela e ali fazíamos escultura, pintura e desenho. E no auditório/teatro, as artes cênicas. Também tínhamos um jogral para dizer as poesias que mais apreciávamos. E assim íamos aprendendo geografia, história, biologia e todos os conteúdos de uma educação formal. Acho que por essas razões não precisei procurar a que me dedicar. Eu já havia sido capturada, muito cedo, pela arte.
Quando entrei na Arquitetura, em paralelo continuei pintando, desenhando e fazendo escultura. Lá vão bons 52 anos que, ininterruptamente, pratico a arte como tarefa amorosa diária.
P – A palavra, o som, a cor. Algum se manifesta mais potente ou é para você a matéria de origem para as linguagens que trabalha? (por Helena Kanaan)
LT – Meus 52 anos de dedicação às artes visuais já indicam que escolhi a imagem como a protagonista do meu processo criativo. Minha primeira exposição foi em 1969, num espaço que criei na rua 24 de Outubro, na galeria Champs-Élysées. Se chamava Esboço. Depois desse momento, coleciono 74 exposições individuais em espaços nobres do Brasil.
A música, posso considerar como a primeira expressão artística que tive contato. Minha babá cantava quando trabalhava, e essa recordação é mágica. Ela tinha uma voz melodiosa e interpretava as canções com sentimento. Sempre me dizia que gostaria de ter sido cantora mas a vida não lhe apresentou essa oportunidade.
Minha mãe tocava piano e quando fui à Serafina Corrêa, conhecer minha cidade natal, ouvi de uma amiga da família uma história emocionante.
Nossa casa era de madeira e ficava rente à única rua da cidade – a Rua 11. E quando ela e seus irmãos passavam por lá e ouviam o som do piano, se encostavam em suas paredes para apreciar a beleza das execuções.
Acho que estes dois momentos e também o contato constante com a música através do aprendizado do piano, do violão, de frequentes idas a shows, e da aquisição de discos tanto de música brasileira quanto americana, fizeram crescer em mim uma admiração pela música a ponto de entendê-la como a mais sensacional linguagem artística que o homem inventou.
A fascinação era tanta que eu às vezes pensava que, se ne-cessário, trocaria tudo que faço para cantar. Mas depois, menos apaixonada vi que não precisaria abrir mão de nada e sim ter a coragem de realizar este meu sonho nascido na infância através da minha babá.
Tenho feito shows temáticos, onde conto um pouco sobre as músicas do repertório que escolho, sempre pensando num trabalho de resgate do grande manancial que é a música tanto brasileira quanto internacional.
Alguns tiram da cartola coelhos
Outros de misturas incomuns
A ilusão do ser inteiro
–
Liana Timm
P – O esfacelamento da ilusão de completude é um significante que remete ao estilo Liana Timm. Refiro-me à relação artista/arte, criador/criatura. O efeito de um constante e polivalente processo criativo sempre em aberto gera uma riqueza de expressão que mobiliza diferentes canais pulsionais: a voz, o olhar, o traço, desde o simples movimento que o real do corpo é capaz de (re)produzir, oxigenando sempre novas e inéditas (ins)pirações. O que produz tamanha inquietação criativa? A origem desse enfrentamento, como o âmago do processo criativo em si, é a incompletude? (por Lenira Fleck)
LT – Ser inquieta e curiosa são duas das características da minha personalidade. Um certo desassossego, um desejo de compreender, até o âmago, os mistérios da existência. Mas como isso é impossível – e não me convenço – vou sempre em busca do inalcançável para tentar de qualquer maneira chegar mais perto do que nos foge constantemente. O interessante é que a aceitação da impossibilidade não esmorece as inúmeras tentativas de alcançar o inalcançável. Compreendo isso como uma forma de sobrevivência, um certo elã vital como afirmou Henri Bergson. Sobrevivo através dessa capacidade criativa experimentando momentos efêmeros de satisfação, através das atividades expressivas. Em cada uma delas, vou ao encontro de uma perfeição inexistente tanto na vida quanto principalmente na arte, pois seus resultados não são verificáveis.
Minha energia criativa está sempre em movimento. Tal c-mo o coração; quando ele parar de bater, estarei em outra dimensão.
Estou sempre às voltas com a produção de algo que nos possibilite ver o mesmo de maneiras não usuais. Isso gera em mim entusiasmo e paixão. Gosto de fazer coisas que não sejam a repetição do já visto e pensado e sim surpreendentes e inovadoras. Persisto nisso, buscando novos conhecimentos e autonomia. Gosto de associar pensamentos, de questionar incansavelmente as pseudoverdades, observando a vida sem a obviedade corriqueira. Não gosto de nada pré-fabricado como as tendências do mercado, a cor do ano, o tipo de roupa da estação, os formadores de opiniões, enfim, toda essa manipulação que nos coloca como parte de um rebanho sem vontade própria e autonomia de pensamento.
P – Amplio o espectro de uma pergunta da Clarice Lispector para o Iberê Camargo, Revista Manchete, 1969: qual é o processo criador de um pintor versus o processo criador de um escritor, de um poeta? O impulso criador será o mesmo ou é de uma natureza diversa? (por Tenisa Spinelli)
LT – O impulso criador de um poeta é o mesmo de um pintor, mas os caminhos para desenvolvê-lo são um pouco diferentes.
Falando na primeira pessoa, acho que minha faceta poética é a mais suscetível, e fico pensando por que as pessoas necessitam de esclarecimentos para se sentirem confortáveis diante de uma ou outra expressão artística.
Louis Armstrong deu uma resposta clássica à pergunta O que é jazz? que eu gosto muito. Ele respondeu: Se você não sabe o que é jazz, então não vale a pena eu tentar explicar.
O processo de criação de um poeta o levará à escrita de poemas. Algo inútil para este e para qualquer tempo, não? Não gera riqueza material, não é produto de troca, entretanto nos possibilita visitar outras esferas do real. O poema se dirige às emoções humanas. A potência poética toma conta do escritor desviando-o do caminho das mesmices e incitando-o a buscar, tanto na língua quanto no sistema vigente, outras possibilidades de enxergar e viver a vida. Durante a feitura poética, encontramos nosso próprio caminho, nossa própria maneira de condensar as significações e interrelacionar musicalidade e imagem. Transfigurar a linguagem.
Provocando surpresa e estupefação no leitor, posso dizer que é meio caminho para continuar fazendo poesia e para continuar fazendo arte, pois qualquer explicação joga o resultado da arte para o intelecto, e a poesia da arte é, mais que tudo, um jeito de chegar perto da sensibilidade humana cujo caminho é o do sentir e não o da explicação.
P- Como o mundo é – supostamente – majoritariamente masculino e construíste uma obra sólida, pergunto: como atravessaste este insólito deserto de terríveis disputas? (por Renato Rosa)
LT – Pensando bem, acho que não sou uma pessoa competitiva no corriqueiro significado da palavra: competir ou disputar algo com alguém. Inclusive noto que evito qualquer tipo de embate desse tipo. Para mim não existe melhor nem pior e sim diferenças. As comparações de resultados artísticos já nascem fracassadas. O que é único permanece com seu valor, independente do que esteja ao lado.
O que me move são as minhas preferências. Sim, gosto mais disso que daquilo, mas o valor de uma obra não pode ser medido pelo gosto circunstancial de alguém. Mudamos a cada momento, e o olhar acompanha essas mudanças. Leio hoje um poema, recebendo-o de uma maneira; amanhã ele poderá se apresentar diferente. A mesma coisa com as obras de arte.
Quando reconheço um ambiente de disputa, prefiro me afastar e buscar outra via, pois me parece destrutivo ficar lutando por algo que talvez nem valha a pena.
Acredito no tempo que vai fazendo a triagem e colocando em seus devidos lugares aquilo que em algum momento foi desprezado e desvalorizado.
Neste tempo de consumo exacerbado e de falta de paciência, tudo que é fácil e privilegia o mercado é aceito como um valor. Então é preciso escolher um caminho: ou entrar nessa vibe ou continuar com coerência uma trajetória pessoal que deseja outro tipo de resultado.
Sinto que meu embate é comigo mesma. Uma luta interna de superação das minhas questões pessoais.
Um aprimoramento dos objetivos traçados, independente das tendências do mercado. Quantidade é o comum nestes dias, mas a qualidade ainda é a minha diretriz.
E para finalizar, transcrevo um trecho do que escrevi na orelha do meu livro Extravios Incandescentes:
Muito do que escrevo e desenho sinto mais do que com-preendo e, nisso, me encontro afetada por um desejo de vida. Subverto a ordem dos dias desde o momento em que ouvi alguém questionar a lógica do inquestionável. Sou e serei como sangue, circulando e alimentando a imaginação enquanto a vida, esse milagre incompreensível, achar que em mim vale a pena pulsar.
Os perguntadores:
- Luís Augusto Fischer, editor da Parêntese
- Cacaio Praetzel, publicitário, artista visual, curador
- Ivette Brandalise, jornalista
- Nara Lisboa, cantora
- Paulo Dalacorte, colecionador de arte
- Nora Prado, atriz e escritora
- Juarez Fonseca, jornalista
- Clara Pechansky, artista visual
- Camilo de Lélis, diretor teatral
- Jacob Klintowitz, crítico de arte
- Sepé Silveira Souza, agente de arte
- Miriam Tolpolar – artista visual
- Graça Nunes, diretora teatral
- Renato Viera (corrigir “Vieira”), cirurgião plástico
- Helena Kanaan, artista visual
- Lenira Fleck, escritora
- Teniza Spinelli, escritora
- Renato Rosa, marchand
